PLAN DE CLASES: HISTORIA DE LA MUSICA

PLAN DE CLASES SOBRE EL BARROCO

1) FICHA TECNICA

Materia: Historia de la -Musica

Profesor: Jose Luis Bayona Niño

Tema: EL BARROCO

Fecha: Noviembre 3 de 2.009

2) OBJETIVOS

Lograr que el estudiante aprenda sobre el periodo Barroco, sus características y sepa diferenciarlo de otros periodos musicales.

3) CONTENIDOS DE LA CLASE

Concepto y ubicación en el Tiempo

El Barroco fue el estilo artístico predominante en Europa e Hispanoamérica durante el siglo XVII, si bien su influencia, sobre todo en el campo de la música, sobrevivió hasta bien entrado el siglo XVIII. El término se usa también para designar cualquier cosa enrevesada, excesivamente decorada o muy complicada.

Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas, revolucionarias e importantes de la música occidental, así como la más influyente. Su característica más notoria es probablemente el uso del bajo continuo y el desarrollo de la armonía tonal, que la diferencia profundamente de los anteriores géneros modales.

El Barroco temprano (1600-1650)

Este período es conocido como el seicento: alrededor del año 1600 se destaca en la historia de la música un compositor de inusual talento, Claudio Monteverdi. Fue un maestro de los dos géneros entonces preponderantes: la prima prattica o el polifónico género madrigal y la seconda prattica o recitativo de la música vocal solista. Compuso una de sus obras más famosas, el "Lamento d'Arianna", tanto en versión polifónica como en versión para solista y bajo continuo.

La seconda prattica, un subgénero de monodia acompañada, esto es, una o varias voces solistas y bajo continuo, caracteriza la música de este período.

El Barroco medio (1650-1700)

El Barroco medio es el lapso comprendido entre 1650 y 1700; en él sobresalieron el compositor inglés Henry Purcell (1659 - 1695) y su contemporáneo alemán Johann Pachelbel (1653 - 1706).

El Barroco tardío (1700-1750)

El Barroco tardío va entre 1700 y 1750 (aproximadamente) y sus compositores característicos son: en España Domenico Scarlatti, en Italia Antonio Vivaldi, en Inglaterra Georg Friedrich Händel, en Alemania Johann Sebastian Bach y en Francia Jean Philippe Rameau.

CARACTERISTICAS DE LA MUSICA BARROCA.

Las principales características que definen la música barroca son estas:

• Predominio del estilo vertical u homofónico.
• Nacimiento del bajo cifrado o bajo continuo: el compositor da toda la importancia a las voces extremas. La voz superior es la melodía. El acompañamiento se indica mediante una serie de cifras (bajo cifrado) que señalan al organista los acordes que puede ejecutar.
• Supremacía de un estilo armónico: sentido vertical en la música.
• Delimitación e independencia entre música vocal e instrumental.
• Nacimiento y esplendor de la música dramática: ópera, cantata, etc.
• Aparición de la orquesta y perfeccionamiento de los grupos de cámara.
• Aparición de un ritmo reiterativo y muy marcado.
• Uso de acordes disonantes con mayor frecuencia.
• Supremacía de la música profana sobre la música religiosa.
• El compositor practica todos los géneros de su época

Formas musicales

Concierto Grosso: Se destacan dos o tres solistas acompañados del grueso de la orquesta.
Concierto a Solo: Se destaca solamente en un solista acompañado del bajo continuo

Sonatta: Es la obra ejercida por el cual con esfuerzo alguno.
Tocatta: Es la música que se ejecuta sin mucho esfuerzo.
Suite: Es una colección de danza
Fuga: Es la obra religiosa para órgano.
Misa: Música tocada en la capilla durante una misa.
Sinfonía: Es la obra compuesta para un orquesta sinfónica.
Opera: Es una obra dramática, monodia, pero cantada. también existía la opereta que era sin embargo una opera, pero divertida.
Oratorio: Es un tipo de opera de temas sacros y sin actos ni escenarios.

El motete: es una forma musical ya marginal en el Barroco. La denominación se reserva para ciertas composiciones religiosas corales escritas a varias voces iguales, frecuentemente en un estilo obsoleto. En el siglo XVII mantuvo cierta vigencia en Alemania e Italia, y en el XVIII aún se usaba a veces la palabra para designar algunas cantatas de estilo concertante.

LOS COMPOSITORES

· Italia

Giovanni Gabrieli (1555-1612) es el principal exponente del Barroco temprano. Su música contiene ya los elementos estilísticos esenciales de la nueva época estética.

Claudio Monteverdi (1567-1641) es el primer gran compositor del Barroco que inauguró este nuevo género en Italia y Europa. Girolamo Frescobaldi (1578-1643) tuvo gran importancia en el desarrollo de la música para teclado, en particular por sus Toccatas para clavecín. A mediados de siglo, sobresale Giovanni Legrenzi(1626-1690).

Arcangelo Corelli (1658-1711), Giuseppe Torelli y Alessandro Scarlatti (1660-1725) son los que dominan la escena nacional de la segunda mitad del siglo XVII hasta principios del siglo XVIII.

Ya en la primera mitad del siglo XVIII, Antonio Vivaldi (1675-1741), Domenico Scarlatti (1685-1757) y Giuseppe Tartini (1692-1770) son los que más sobresalen, representando la cumbre y el ocaso barroco de su país.

· Alemania

La obra de Bach está considerada la cumbre de la música barroca, cuyas "Pasión según San Mateo" y el "Clave bien temperado" son cimas de la música occidental.

El Barroco alemán empezó con la figura de Heinrich Schütz (1585-1672), llamado el padre de la música alemana, el más notable en la primera mitad del siglo XVII alemán. Johann Hermann Schein (1586-1630), Samuel Scheidt (1587-1654) y Michael Praetorius (1571-1621), contemporáneos de Heinrich Schütz, también son bastante notables en esta época.

En la segunda mitad del siglo XVII, Dietrich Buxtehude (1637-1707) es el más sobresaliente, siendo en 1705 visitado por un joven Bach. Johann Pachelbel (1653-1706), Johann Jakob Froberger (1616-67) y Georg Muffat (1653-1704) destacan asimismo.

Al cabo entre los siglos XVII y XVIII, Johann Kuhnau (1660-1722), Johann Joseph Fux (1660-1741), Johann Caspar Ferdinand Fischer (c. 1665-1746) y Georg Böhm (1661-1733) son los más prominentes.

El Barroco alemán, y en general, culminó y dio su máxima madurez, esplendor y cenit en la primera mitad del siglo XVIII con uno de los compositores más importantes de la música universal, Johann Sebastian Bach (1685-1750), que agotó todas las posibilidades de la música barroca. Su obra es la cumbre y ocaso de la música barroca, y marca el fin del periodo en Alemania y en Europa.

Reinhard Keiser (1674-1739), Johann Mattheson (1681-1764), Johann Adolph Hasse (1699-1783) y Carl Heinrich Graun (1703-59) junto con un joven Händel (1685-1759) -hasta que en 1712 se fue a Inglaterra- son los más destacables junto con Bach.

Georg Philipp Telemann (1681-1767), junto con Bach, es el músico más importante del Barroco tardío alemán, y marca igualmente el inicio de la transición de la música barroca hacia la música clásica de la segunda mitad del siglo XVIII en su país.

· Inglaterra

En Inglaterra el Barroco tarda en desarrollarse hasta la restauración de 1660, siendo John Blow (1649-1708) y su alumno Henry Purcell (1659-95) los más destacados e influyentes en la segunda mitad del siglo XVII.

En la primera mitad del siglo XVIII, Georg Friedrich Händel (1685-1759), desde su llegada en 1712 al país, es el más importante, destacable e influyente, siendo la cumbre del Barroco inglés y, junto con Bach, el más importante del Barroco tardío.

Después de Händel, y ya siendo el ocaso nacional, a mediados del siglo XVIII destacan Thomas Augustine Arne (1710-78) y William Boyce (1711-79) poniendo el punto final al Barroco inglés.

· Francia

El género se consolida con Jean-Baptiste Lully (1632-87), un italiano de nacimiento, que introduce la ópera en Francia, siendo el más importante compositor nacional del siglo XVII en ese país. También sobresale en el mismo siglo Marc Antoine Charpentier (1640-1703), siendo el máximo rival de Lully.

Al cabo de los siglos XVII y XVIII, François Couperin (1668-1733) es el más importante, siendo una de las cumbres del Barroco francés. Louis Marchand (1669-1732) también destaca, teniendo en 1717 un duelo musical con Bach.

Jean-Philippe Rameau (1683-1764) es, junto con Couperin, la cumbre barroca nacional y el cenit del género francés barroco en la primera mitad del siglo XVIII, siendo en los últimos años testigo del cambio del Barroco al Clasicismo en su país.

· España

En España sobresalieron Gaspar Sanz, Juan Cabanilles, Antonio de Literes, el Padre Soler, Juan Hidalgo, Sebastián Durón, José Marín, José de Nebra, Francisco Corselli, José de Torres, Jaime Facco, Joaquín García y Tomás de Torrejón y Velasco

Por entonces vivieron en España, donde compusieron la mayor parte de sus obras, los italianos Domenico Scarlatti y Luigi Boccherini.

En las colonias españolas en América también hubo actividad musical, con compositores -como el milanés Roque Ceruti-, cantantes, instrumentistas. Mucha de esta música aún se conserva y ejecuta.

Obras destacadas del Barroco

Obras destacadas del Barroco
Año	Obra	Compositor
1607	Orfeo (ópera)	Claudio Monteverdi
1635	Fiori musicali	Girolamo Frescobaldi
16--	Daniele	Giacomo Carissimi
1640	Selva morale e spirituale	Claudio Monteverdi
1629-44	Symphoniae Sacrae	Heinrich Schütz
1666	Pasión según san Mateo	Heinrich Schütz
1685	Roland	Jean-Baptiste Lully
1689	Dido y Eneas	Henry Purcell
1699	Hexacordum apollinis	Johann Pachelbel
1700	Sonatas para violín y bajo continuo op. 5	Arcangelo Corelli
1680 c.	Canon	Johann Pachelbel
1717	Música acuática	Georg Friedrich Händel
1722	Conciertos de Brandenburgo	Johann Sebastian Bach
1722-44	El clave bien temperado	Johann Sebastian Bach
1724	Giulio Cesare	Georg Friedrich Händel
1725	Las cuatro estaciones	Antonio Vivaldi
1727	Pasión según San Mateo	Johann Sebastian Bach
1706-28	3 libros de suites	Jean-Philippe Rameau
1713-30	4 libros de órdenes	François Couperin
1733	Música para la mesa	Georg Philipp Telemann
1742	El Mesías	Georg Friedrich Händel
1749	Música para los reales fuegos de artificio	Georg Friedrich Händel
1749-50	El arte de la fuga	Johann Sebastian Bach
1762	El juicio final	Georg Philipp Telemann

4) DIDÁCTICAS:

En esta clase la idea es explicarle el concepto del barroco y en que periodo se desarrollo luego por medio de un material proporcionado por mi persona hacemos una

Lectura de las características para el alumno interactúe en la clase y de sus puntos de vistas sobre cuáles son esos punto claves para aprender a identificar el periodo barroco

Además con la ayuda de audios y de videos se puede optimizar el entendimiento de dicho periodo

5) ACTIVIDADES

Los estudiantes realizaran lectura con respecto al tema por medio de un material proporcionado por el profesor

Referencia de audio y video para que se familiaricen con el tema

6) RECURSOS

Grabadora

Video beam

Tablero

7) ESTIMACIÓN DEL TIEMPO

60 minutos

8) EVALUACIÓN

Pues una evaluación como tal es la verificación de que los alumnos hayan tenido claro el tema y despegar algunas duda

9) TAREAS EN CASA PARA LA PRÓXIMA CLASE

Buscar una obra representativa del barroco y explicar cuál es su historia y biografía del autor en un tiempo determinado para que los demás alumnos tengan oportunidad de participar.

LUTERO Y LA REFORMA PROTESTANTE: SU INFLUENCIA EN LA MUSICA

Desde finales del siglo XV y principios del XVI, Renacimiento, humanismo y Reforma son fenómenos que aparecen estrechamente asociados. La crítica de los ritos, de las prácticas litúrgicas, de los dogmas y de la música sagrada provoca una crisis que afecta a toda la cristiandad y desemboca, por un lado, en la Reforma protestante y, por otro, en la Contrarreforma católica.

Se denominó Protestantismo a la revolución religiosa planteada a principios del siglo XVI en contra de la Iglesia Católica, y que provocó la fractura de la unidad religiosa europea.

Un monje, Martín Lutero, profesor de Teología, encabezó el movimiento, argumentando que la Iglesia se había separado de las enseñanzas bíblicas de Jesús, en quién se basa el cristianismo, desafiando la autoridad del Papado.

Su ruptura con la Iglesia Católica-Romana puso en marcha la Reforma Protestante, con doctrinas como el sacerdocio universal, que implicaba una relación personal directa del individuo con Dios sin ninguna institución de por medio o la libre interpretación de las Sagradas Escrituras.

El protestantismo tiene como pilar básico de su fe la Biblia, entendida como Palabra de Dios descansando toda su teología en tres principios generales y dos particulares que son exclusivos de la teología reformada (Tradicionalmente enunciados en latín):

§ Sola Scriptura: La Biblia es la única máxima autoridad en temas de fe, moral y conciencia.

§ Sola Fide: La fe en la obra expiatoria de Jesucristo es la única necesidad que tiene el ser humano para salvar su alma eterna de la condenación.

§ Solus Christus: Únicamente Cristo es quien nos da la vida eterna. No hay vida eterna sin Él.

DIFERENCIAS ENTRE LAS IGLESIAS PROTESTANTES Y LA IGLESIA CATÓLICA.

§ No reconoce la autoridad del Sumo Pontífice, el Papa, como vicario de Cristo en la Tierra ni a ninguno de los Patriarcas de la Iglesia Ortodoxa.

§ La Biblia es la fuente única de autoridad, Sola Scriptura, la tradición eclesiástica no tiene ninguna validez si no está sustentada y justificada en la Biblia.

§ Las decisiones de los concilios no tienen autoridad si no se sustentan en doctrinas bíblicas.

§ Para salvarse no son necesarias las obras ni la caridad.

§ El servicio o culto carece de un orden litúrgico necesario.

§ El canon de la Biblia para los protestantes es de 66 libros, ya que únicamente se aceptan como inspirados aquellos libros que son propios de la Tanach hebrea (Antiguo testamento para los cristianos), de acuerdo a la tradición jerosolimitana, y no de acuerdo a la tradición griega (Biblia de los Setenta), que es la que sigue la Iglesia Católica. Estos libros rechazados por los protestantes son llamados deuterocanónicos.

Lutero fue músico, es cierto; pero, contrariamente a lo que muchos pretenden, quizás encandilados por la admiración de este gran personaje (que fue un gran músico) eso es pura leyenda. Lutero fue músico, sin embargo, no era un gran maestro (que sí los había en su época) y menos reconocido en aquel arte. Tocaba el laúd, la flauta, y gustaba mucho de cantar. Johann Walther, su principal colaborador en torno a la música de iglesia en Wittenberg, dice que pasaba “muchas horas agradables cantando con él y a menudo notaba que no parecía cansarse nunca de cantar ni quería terminar; y después siempre era capaz de discutir sobre música del modo más elocuente”.
Históricamente el pueblo alemán ha sido identificado con la música. En la edad media se hallaban trovadores por doquier, y en las cantinas se oían las más graciosas melodías. Notemos que no era así en la iglesia. La vida musical de ésta, estaba “oficialmente” dominada por el canto gregoriano, que básicamente consiste en la entonación de textos sagrados invariados (aunque después se adaptaron himnos autóctonos)

Se dice que el canto gregoriano fue creado por un papa medieval, llamado Gregorio y apodado “el grande” (muchos han llevado el sobrenombre y pocos realmente lo han sido), sin embargo, eso es pura leyenda. No hay documentos que lo confirmen, si hay pruebas de que elementos de él ya se usaban en el pasado.

Lo que no es leyenda es que Lutero creó el coral, forma musical que se identifica plenamente con el protestantismo. Fomentó la tradición de cantar himnos en idioma común, puesto que este tipo de canto religioso era totalmente asimilable por cualquiera, no necesariamente con instrucción musical. No se necesitaba un coro profesional para los oficios, no se requería gran entrenamiento para ejecutarlos.

Ahora tenemos algo de luz para explicar mejor lo siguiente: cómo un simple coral, una simple melodía de orígenes hasta callejeros, pudo inspirar a los grandes maestros de los siglos inmediatamente siguientes y aun en nuestros días. Cómo un Sweelinck, Zachow, Pachelbel, Buxtehude o un Bach, hicieron de esta forma musical, la fuente de sus grandes obras maestras, muestras de perfección casi sublime en el arte de la composición.

Mucho tiene que ver con esto el concepto de vida y misión en el mundo, que propugna el protestantismo. El apelar a la gracia, quita de en medio el problema de acumular obras para la “salvación”, lo que permite al hombre vivir en paz, en comparación con su estado anterior. El hombre protestante tiene una misión particular en el mundo, Como bien dice Wilhelm Hermann: “Como cristianos, sólo podemos participar de la comunidad, si en su seno encontramos una profesión (es decir, una ocupación propia e individual)… en la cual podamos trabajar regularmente, en un sentido determinado”.

Aquí está la fuente del desarrollo musical de occidente, cuya cúspide se encuentra en el barroco con el temperamental y dogmático bach.
El coral progresa y se masifica por la facilidad con que era asimilado por las comunidades, sin ser necesaria la instrucción musical formal.

En el terreno de la música instrumental, se crearon formas típicas. El órgano, desde casi un milenio compañero fiel del oficio eclesiástico, siguió siendo para el protestantismo el timbre instrumental preferido. Es así que las nuevas formas musicales fueron concebidas exclusivamente para su ejecución en el órgano.

La iglesia protestante, a pesar de toda la educación para coros escolares y cantorías, no podía pretender alcanzar el nivel de los cantores litúrgicos catolicos que contaban con una larga tradición. Pero, tampoco aspiraba a tanto: persiguió siempre el ideal de perfección en el canto laico.

Esta circunstancia abrió al órgano un campo de acción mucho más amplio. Para que los feligreses pudieran entonar el coral colectivo, el organista tocaba el coral completo o unos compases para que sea oído, percibido y luego entonado, anticipándose a la melodía. Con el tiempo, los organistas fueron ingeniosamente los recursos del instrumento, desembocando en lo que conocemos con el nombre de preludio coral. Los preludios corales, nacen de la necesidad de orientar a la feligresía antes de cantar en la melodía cuando ésta era desconocida o nueva. La causa de las grandes maravillas que nos legaron, es que el genio de estos hombres era tan grande que no podían componer cosas más simples, puesto que progresaban cada día más y se oponían al auto sacrificio que suponía mantenerse en la simpleza.

Los grandes maestros crearon cantatas, preludios corales, pasiones, liturgias y muchos más oficios, porque su labor no era otra. Además, su genio era tan grande que no podían concebir otra cosa que obras maestras por doquier, que incluso muchas de ellas perdidas, no eclipsan en nada su legado.

PARTICULARIDADES DE LA HIMNOLOGÍA REFORMADA

Ø Las fuentes del repertorio

Las fuentes de las melodías del salterio y de los corales proceden en primer lugar del repertorio católico existente. Tanto en Alemania, como en Francia o en Inglaterra el procedimiento es el mismo: se recurre al préstamo (tanto del repertorio católico como del repertorio profano), adaptando melodías existentes a las que se dota de u texto en lengua vernácula. Las modificaciones –ligeras- afectan sobre todo al número de notas y de sílabas en relación con el modelo. Las canciones profanas, aprovechadas ocasionalmente para salmos, fueron simplificadas.

Ø Una estética funcional

Poco a poco –en Estrasburgo, donde la tradición es monódica desde la primera generación de músicos; en Alemania, a partir de la segunda generación- se van creando melodías para el culto reformista y comienza a definirse progresivamente una estética funcional que facilitará la formulación definitiva de la nueva himnología. Los timbres, que habían llegado a ser tradicionales, serán armonizados en los diversos estilos al uso en el siglo XVI. Durante siglos servirán de principio estructural a músicos y organistas como –ya en el siglo XX- los franceses Georges Migote, Alexandre Cellier o Marie-Louise Girod-parrot; los suizos Pierre Segond, Henri gagnebin, Robert Vuataz o Willi Burckhard; los alemanes Siegfried Reda o Günter Bialas, entre otros

Ø Formas y géneros principales de la música de la Reforma

ALEMANIA

Coral

Melodía litúrgica luterana que sirve de principio estructural y de tema a obras vocales e instrumentales (órgano); en lengua vernácula, se canta durante el culto. Interpretado al unísono o armonizado nota contra nota, o en contrapunto florido.

1. Cantos extraídos del gregoriano (puesto que los participantes ya los conocían).

2. Cantos populares o compuestos por alguien pero popularizados (misma razón).

3. Cantos compuestos expresamente para el culto. Puesto que debían ser aprendidos por el público, son minoría, y se introdujeron poco a poco, hasta que llegaron a ser tan populares como el resto.

A estos cantos los denominamos corales.

Los textos de los corales provienen de tomar la letra original y modificarla “a lo divino”, como se decía aquí en esas fechas o, más frecuentemente, eran escritos específicamente para la ocasión. Se aplicaban entonces a la melodía que se desease, modificando si era necesario la estructura rítmica y cadencial de la melodía. Se mantiene durante mucho tiempo esa idea de melodías que se pueden cantar con diversos textos, y hay que hacer notar que eso puede llevar a que una misma melodía deba soportar necesidades expresivas muy diversas.

El tratamiento armónico y contrapuntístico del coral sufre tremendos cambios durante el periodo que se extiende desde Lutero (creador del protestantismo) a Bach. Cuando llegamos a él, el coral está profundamente enraizado en la sensibilidad de los participantes.

Entre las particularidades del tratamiento de los corales por parte de Bach está su inmenso respeto al significado del texto. Si una misma melodía aparece en diversas ocasiones con diversos textos, la tratará armónica o contrapuntísticamente de forma que su carácter cambie consecuentemente. Y aquí nos enco ntramos con la causa de armonizaciones a veces atrevidísimas, que no se entenderían sin tener en cuenta el significado de las palabras. He aquí dos ejemplos:

• Full anthem

Para coro, bien coro a capella o bien coro acompañado al órgano.

• Verse anthem

Divide la música de coro; acompañado al órgano por pasajes para la voz sola sostenida por violas. En el Book of Common Prayer (versión de 1662) los maitines y vísperas recurren al final a una anthem. Paralitúrgica.

• Responsorio

Breve versículo, cantado generalmente desoués de una lectura.

• Litany

Plegaria, intercesión presentada por el pastor y respondida por la asamblea. Repetición de una breve fórmula.

Las formas principales de la música protestante:

El salmo hugonote entre los calvinistas franceses y el coral para los luteranos alemanes, piezas que en muchos casos serán traducidas o adaptadas a otras lenguas y servirán de punto de partida a improvisaciones al órgano o como principio de composición para músicos posteriores Entre las formas secundarias figuran los cánticos, las canciones espirituales, los responsos litúrgicos, los contrafacta, los cantos de Navidad...en Inglaterra, los anthems, services, responsos, salmos y letanías serán las formas esenciales de la música sacra a partir de la Reforma.

La himnología que nace con la Reforma, antes de hallar una estética propia, se inspiró en los modos de armonización del siglo XV y principios del siglo XVI. Los primeros salmos y corales aparecen armonizados conforme al estilo de la escuela franco-flamenca, en contrapunto florido, con imitaciones y préstamos, presentando el texto dividido en secciones y el cantus firmus confiado a la parte del tenor.

En esta polifonía a cuatro voces se recurre a la entrada sucesiva de las voces restantes, por ejemplo en las ediciones de Claude Goudimel de 1568 y 1580, o en las armonizaciones de Kaspar Othmayr (1515-1553). Poco a poco, la melodía confinada en el tenor llegará hasta el superius, donde es claramente perceptible, y el canto se hará más funcional y adaptado a las posibilidades vocales de una asamblea.

Posteriormente, el proceso de simplificación invadirá la música protestante por influencia del humanismo, especialmente a través del ejemplo de la oda, musicada a cuatro voces “nota contra nota” por el alemán Petrus Tritonius en 1507. Esta tendencia se irá introduciendo en el repertorio de corales y salmos como una forma más de convergencia entre las ideas de los reformadores y las de los músicos. El contrapunto simple, horizontal y homorrítmico representa el estilo litúrgico específicamente protestante, pensado para un culto que requiere la participación de todos los fieles.

El repertorio himnológico protestante, con sus salmos y corales en lengua vernácula, testimonia una convergencia entre los distintos países marcados por las “reformas”. Por encima de las divergencias doctrinarias que surgen en el siglo XVI, esta concepción funcional de la música –vehículo para la participación litúrgica- proporciona a la Reforma una identidad musical innegable.